SONAFILM 2026 – Concierto ‘La era de los Imperios’ en Ondara [ARTÍCULO ESPECIAL]

El pasado fin de semana SONAFILM – Festival Internacional de Música de Cine de la Marina Alta Alicantina celebró en la Plaza de Toros de Ondara uno de los conciertos más esperados de su 8ª edición, el concierto dedicado a ‘La era de los imperios’, con la participación del compositor Trevor Jones.

 

Nuestro amigo y compañero Coque Cano acudió al concierto y nos deja un estupendo artículo detallado en exclusiva para SoundTrackFest.

 

LA ERA DE LOS IMPERIOS EN ONDARA: MÚSICA PARA LA HISTORIA

Hay festivales que, a fuerza de ambición, trabajo y coherencia, terminan por hacerse indispensables en el calendario de cualquier aficionado a la música de cine. SONAFILM, el Festival Internacional de Música de Cine de la Marina Alta, pertenece ya a esa categoría. En su octava edición, celebrada entre el 31 de julio y el 22 de agosto en distintas localidades de la comarca (leer más), volvió a demostrar que desde un territorio alejado de los grandes centros habituales puede construirse una programación especializada, valiente y con auténtica vocación internacional.

 

Llevaba tiempo con ganas de asistir a este festival, dirigido artísticamente por Javier Gil Pérez y producido por Pedro J. Mérida, y la propuesta escogida para la noche grande de Ondara difícilmente podía resultar más atractiva: “La Era de los Imperios”, un viaje musical por civilizaciones, conquistas, leyendas, héroes y conflictos históricos a través de algunas de las partituras más representativas del cine épico.

 

Emoción y epicismo a partes iguales, en un marco incomparable, con una orquesta que gana prestigio y buen hacer año tras año, y un mimo de los organizadores que se percibe en cada rincón de esta preciosa región alicantina. Una comarca claramente volcada en este evento veraniego, que no podemos más que recomendar encarecidamente a los aficionados.

 

El concierto tuvo lugar el sábado 22 de agosto, a las 23:00 horas, en la Plaça de Bous d’Ondara, denominada “La Joia Levantina”, un espacio inmejorable para una propuesta de estas características. Bajo una noche estrellada, con una temperatura amable y una acústica mayormente satisfactoria, la Universal Symphony Orchestra convirtió el recinto en una especie de anfiteatro musical. Desde las gradas se pudo apreciar especialmente bien la mezcla sonora y la riqueza de la percusión, matices que parece ser quedaron algo apagados en la platea.

Pero si el programa ya justificaba el desplazamiento, la presencia de Trevor Jones como invitado de honor añadió una dimensión muy especial a la velada.

 

Trevor Jones, un amigo de España

Para quienes nos aficionamos a la música de cine durante los años ochenta, Trevor Jones es uno de esos nombres que pertenecen a la educación sentimental del aficionado. Cristal Oscuro, Excalibur, En el nombre del padre, Cliffhanger, El último mohicano, Merlín, Aracnofobia, The Mighty o Labyrinth son sólo algunas muestras de una carrera extraordinaria, marcada por la melodía, el vigor sinfónico, la sensibilidad dramática y una versatilidad que quizá no siempre ha sido reconocida en la justa medida.

 

El compositor no era precisamente un desconocido para el público español. Habitual de los grandes encuentros especializados, Trevor Jones ha sido invitado en citas como SONCINEMAD, donde dirigió el 1 de julio de 2006 a la Orquesta Sinfónica de RTVE en el Teatro Monumental de Madrid; FIMUCITÉ, que en 2017 lo distinguió dentro de una edición dedicada al cine de espada y brujería (leer más); o el MOSMA de Málaga (leer más), al que acudió también aquel año como invitado principal, conferenciante y director de uno de sus conciertos.

 

Y aprovechamos la oportunidad para recomendaros que le echéis un ojo a la entrevista que Trevor Jones brindó a SoundTrackFest durante MOSMA 2017, que estamos seguros os va a gustar:

https://soundtrackfest.com/es/articulos/trevor-jones-entrevista/

 

Volviendo con Trevor Jones y su presencia en España en los últimos años, hay que decir que cada nueva visita se recibe como un pequeño acontecimiento, porque no se trata de un compositor particularmente habitual en los escenarios y porque sus partituras siguen provocando una conexión inmediata con varias generaciones de espectadores.

 

Además, el maestro estuvo tan cercano como cabía esperar de alguien que parece sentir un cariño genuino por España. Antes del concierto, durante el intermedio y también al final de la velada, atendió con enorme paciencia y simpatía a los aficionados, firmando CDs y vinilos, fotografiándose y charlando con todo aquel que se acercaba. Ese tipo de generosidad, que a veces parece un detalle menor, acaba por formar parte inseparable de la experiencia de un festival.

 

Al subir al escenario, visiblemente emocionado, pronunció unas palabras que confirmaron esa relación especial. Explicó que considera España como una suerte de segundo hogar, recordando no solo los festivales y conciertos a los que ha asistido sino también sus visitas previas a Madrid y Barcelona para ofrecer conferencias y clases magistrales, y destacó con agradecimiento el amor que existe en nuestro país por la música de cine. Un discurso breve, sincero y muy sentido, que fue recibido con una calurosa ovación.

No sería extraño que este renovado reconocimiento culminase en octubre próximo, cuando Trevor Jones reciba el World Soundtrack Awards Lifetime Achievement Award dentro de los prestigiosos World Soundtrack Awards del Film Fest Gent. El galardón se entregará el 10 de octubre de 2026 en el Music Centre De Bijloke de Gante, con la Brussels Philharmonic participando en el concierto de homenaje (leer más).

 

El programa del concierto fue el siguiente:

 

Una obertura para conquistar Roma

El programa se abrió con la obertura de Ben-Hur, la magna creación de Miklós Rózsa para el clásico de William Wyler. Difícilmente podía imaginarse mejor inicio para un concierto titulado “La Era de los Imperios”: Roma, Judea, grandeza religiosa, tragedia y espectáculo desde unos compases iniciales que siguen conteniendo una fuerza ceremonial inigualable.

 

La Universal Symphony Orchestra, bajo la batuta de José Martínez Colomina, estuvo muy precisa y poderosa desde el inicio. La nobleza de los metales, el empuje de la percusión y el carácter casi litúrgico de la escritura de Rózsa sonaron con la solemnidad que exige una obertura que no sólo abre una película, sino todo un mundo histórico. Un inicio perfecto, y una declaración de principios sobre el tipo de concierto que íbamos a vivir.

Le siguió una suite de Troya, de James Horner, siempre bienvenida por cuanto no es una de las partituras que aparezcan con mayor frecuencia en los programas sinfónicos. Cualquier oportunidad de escuchar a Horner en directo debe celebrarse, y más tratándose de una obra de tono épico, pero también trágico como ésta. En la ajustada selección tuvo presencia la fanfarria de la triunfal entrada en Troya, tema de metales ascendente y descendente cuyo parecido con un pasaje del War Requiem de Benjamin Britten ha sido ampliamente comentado.

 

Por supuesto, si en lugar de la obra finalmente utilizada de Horner se hubiese interpretado música de la monumental partitura rechazada de Gabriel Yared, la satisfacción habría sido igualmente máxima. La composición de Yared para el film de Wolfgang Petersen es una de las grandes obras perdidas del cine reciente, pero Horner terminó entregando una banda sonora muy efectiva y perfectamente adecuada para el tono de la producción. La suite funcionó, y permitió recordar una de las últimas grandes aproximaciones del compositor de Braveheart al cine histórico.

 

El tercer bloque fue para The Last Samurai, una de las partituras mayores de Hans Zimmer y una de sus aproximaciones más logradas al sinfonismo épico. La interpretación fue muy buena, con la orquesta entendiendo bien ese equilibrio entre solemnidad, espiritualidad japonesa, percusión y lirismo que define la obra.

 

Quizá, por poner un pequeño matiz al diseño del programa, la suite resultó algo extensa y absorbió un espacio que habría podido abrirse a otra obra importante del género. Un título como La caída del Imperio romano, de Dimitri Tiomkin, habría encajado de manera ideal, por poner un ejemplo difícil de escuchar en un concierto. No se trata de cuestionar la calidad de The Last Samurai, que es indiscutible, sino de señalar que la selección podía haber ampliado algo más su espectro histórico y autoral.

 

La primera parte concluyó con Gladiator, otra apuesta segura en cualquier concierto de música de cine actual. La suite fue interpretada con energía, buen pulso y el apoyo de las voces solistas y del coro mixto. La obra de Zimmer sigue teniendo una capacidad enorme para conectar con el público, incluso después de tantas apariciones en escenarios de todo el mundo. Junto a The Last Samurai, volvió a colocar al compositor alemán en el centro de buena parte del primer acto, hasta ocupar cerca de dos tercios de su duración.

En todo caso, fue un final de bloque efectivo y muy aplaudido, que dio paso a una pausa más que necesaria. No sólo por la intensidad de lo escuchado, sino por la oportunidad de reencontrarse con aficionados llegados desde distintos puntos de España, uno de los grandes placeres añadidos de este tipo de citas.

 

Excalibur: la leyenda de Trevor Jones

La segunda parte se abrió con uno de los platos fuertes de la noche: una suite de Excalibur, compuesta por el invitado del festival, Trevor Jones, para la película de John Boorman. Se interpretaron “Arthur Departs”, “Wedding” y “Barn Dance”, tres momentos que muestran hasta qué punto el compositor sudafricano supo construir un universo musical propio incluso en una producción que incorporaba páginas de Wagner, Orff y otros autores clásicos.

 

La partitura de Excalibur es rica, elaborada, medievalizante, oscura y profundamente narrativa. Sigue resultando incomprensible que una obra de este calibre permanezca pendiente de una edición física verdaderamente definitiva y generosa, pese a la enorme relevancia que tiene dentro de su filmografía. Escucharla en directo fue, por tanto, un auténtico privilegio.

 

La suite se benefició además de una presencia instrumental muy especial. Joan Aracil Bolufer aportó mandolina; David Expósito González, serpentón; Fernando Mosquera, flautas barrocas, medievales y étnicas; Fernando Fernández Pérez, guitarra barroca y laúd renacentista; y Darío González Ivars, tiorba y guitarra barroca. Todo ello contribuyó a recrear una paleta sonora que transportaba de forma inmediata al universo artúrico de la película.

La actuación de estos intérpretes fue espléndida y mereció una ovación especialmente cálida cuando José Martín Colomina los hizo levantarse al concluir la suite. Su aportación no era meramente decorativa: daba a la música ese color antiguo, terroso y ceremonial que tan bien casa con la leyenda de Arturo, Morgana, Ginebra y Lanzarote.

 

Conviene aclarar que una suite de Excalibur con instrumentos medievales ya había sido interpretada en FIMUCITÉ, dentro de un concierto donde participó el propio Trevor Jones; allí se utilizaron seis músicos especializados y vestuario acorde a la estética de la obra. En Ondara se recuperó, con personalidad propia, esa idea tan acertada de hacer que la instrumentación también forme parte del relato visual y sonoro.

 

De Colón a las cataratas

Tras la Inglaterra legendaria de Excalibur, llegó 1492: La conquista del paraíso, de Vangelis. Existía cierta incertidumbre sobre cómo iba a funcionar una pieza tan dependiente de la electrónica y de un aparato vocal amplio, teniendo en cuenta el reducido número de voces disponibles —un coro mixto de ocho intérpretes— y la decisión de no recurrir a sintetizadores que reprodujeran los sonidos de la grabación original.

 

Sin embargo, el resultado fue mucho mejor de lo esperado. La orquesta encontró una lectura convincente que hizo justicia a la espiritualidad, impulso épico y nostalgia que caracteriza la música de Vangelis, mientras que el coro, aunque limitado en número, se integró bien en el tejido general. Una adaptación muy meritoria y una de las agradables sorpresas de la segunda parte.

Acto seguido se interpretó La misión, la obra maestra de Ennio Morricone que probablemente despertó el aplauso más fervoroso de la velada. Pocas partituras poseen un arraigo popular tan profundo, y escuchar de nuevo esa combinación de lirismo religioso, emoción melódica y dramatismo histórico es siempre un regalo.

 

Tal vez, en esta ocasión, fuera una de las piezas donde más se notó que ocho voces no alcanzaban toda la dimensión espiritual y coral que reclama una música tan sublime, aunque el esfuerzo de los músicos nos dejó una interpretación sentida que fue recibida con todo el afecto de un público claramente entregado.

 

El último mohicano: una grabación para la posteridad

El gran momento de la noche llegó, probablemente, con la suite de El último mohicano. No sólo por la condición de obra capital de Trevor Jones, sino porque la interpretación estaba siendo grabada para su futura inclusión como contenido adicional en una próxima edición internacional en Blu-ray y 4K de la película, coincidiendo con su 35º aniversario.

 

No he podido confirmar mediante una fuente pública la editora concreta ni las especificaciones finales de dicha edición, por lo que habrá que estar atentos, pero la información facilitada por la organización es una muestra del eco que está llegando a la industria de este fantástico festival y sin duda será un complemento extraordinario para una edición física largamente esperada por los coleccionistas.

 

La suite incluyó “Main Title”, “The Kiss”, “Fort Battle” y “Top of the World”, en una progresión perfectamente diseñada para resumir la épica, la pasión y la tragedia de una de las bandas sonoras más queridas de los noventa. La interpretación fue sencillamente inmaculada: la orquesta sonó con una convicción, una claridad rítmica y un empuje emocional comparables a los de la grabación original.

 

El tema principal abrió las puertas de ese territorio fronterizo donde se mezclan herencia europea, raíces indígenas y espíritu aventurero, con una de las melodías más famosas de la historia del cine. “The Kiss”, por su parte, volvió a demostrar que es uno de los grandes temas de la partitura: el violín principal de la orquesta brilló especialmente en su icónico solo inicial, conduciendo después el crescendo hasta un clímax que puso la piel de gallina.

 

“Fort Battle” exigió precisión, tensión y fuerza; la orquesta respondió con un nervio formidable. Finalmente, “Top of the World” llevó la suite hasta su resolución épica, con esa sensación de conquista emocional que tan bien representa la partitura.

 

La presentadora del evento pidió expresamente que no se aplaudiera entre movimientos, dado que la suite iba a ser registrada para la citada edición. Aun así, tras la tercera parte hubo asistentes que no pudieron contener el aplauso. Resulta comprensible: la emoción que provocó la interpretación era difícil de reprimir. Con toda probabilidad, ese sonido podrá editarse antes de la eventual publicación de la película en formato físico.

 

Fuera como fuese, la suite justificaba por sí sola cualquier concierto. El último mohicano ya es un clásico indiscutible de la música de cine, y escucharla con su compositor presente, con esa calidad interpretativa y bajo las estrellas de Ondara, fue una de esas experiencias que se recuerdan durante mucho tiempo.

 

Dos bises para cerrar la noche

Tras semejante culminación, llegaron dos bises muy distintos entre sí y ambos inesperados.

 

El primero fue una auténtica primicia mundial: la versión sinfónica de “I Will Find You”, la canción de Clannad asociada a El último mohicano. El arreglo para orquesta permitió trasladar a un terreno más concertístico la atmósfera etérea, celta y romántica de una canción inseparable del imaginario de la película. Una sorpresa agradable y muy bien recibida.

 

El segundo bis fue El príncipe de Egipto, con las estupendas cantantes solistas Elísabet Amparo Álvarez-Ossorio Sardón y Silvia María Ladrón Andrade, acompañadas por el coro mixto. La canción ganadora del Oscar, con música y letra de Stephen Schwartz, posee una fuerza intrínseca enorme y funcionó como fin de fiesta inesperado y agradecido.

Quizá, aquí también, se echó a faltar una mayor profundidad vocal para alcanzar toda la grandeza que una canción de esas características puede llegar a ofrecer, pero la elección era tan buena, y el público estaba tan entregado, que el resultado fue más que satisfactorio para cerrar la velada, ya en plena madrugada, con entusiasmo.

 

Una noche para repetir

Mención especial merece finalmente Espido Freire, presentadora del concierto. La escritora bilbaína estuvo radiante en cada aparición, con un guion probablemente propio, de gran calidad literaria, lleno de referencias oportunas, emoción y sentido del humor. Su voz, dicción, presencia escénica y capacidad de conectar con el público serían de agradecer en cualquier concierto de estas características.

 

No menos importante fue la labor de José Martínez Colomina al frente de la Universal Symphony Orchestra. Mantuvo el tono de cada partitura, desde el clasicismo romano de Rózsa hasta la épica contemporánea de Zimmer, Horner y Jones; desde la espiritualidad de Vangelis y Morricone hasta la teatralidad medieval de Excalibur. No es fácil manejar un repertorio tan diverso, y el maestro lo hizo con seguridad, dinamismo y oficio. Parabienes que debemos extrapolar a una orquesta que se está ganando un lugar en el corazón de los aficionados a base de talento y pasión.

 

Conciertos como éste explican la razón de ser de un festival como SONAFILM. Una programación temática no tiene por qué limitarse a encadenar títulos reconocibles; puede proponer un viaje, establecer relaciones entre estilos y épocas, recuperar partituras poco frecuentes y, sobre todo, generar comunidad entre los amantes de la música de cine.

 

Y eso y mucho más es lo que propone y ofrece este festival que destila amor por la música de cine y que además proporciona un lugar de peregrinaje estival donde los aficionados se sienten, no solo asistentes, sino también protagonistas, gracias a la cercanía y el ambiente distendido por el que los organizadores han apostado de forma abierta y valiente.

“La Era de los Imperios” tuvo pequeños aspectos mejorables, como toda propuesta ambiciosa, pero fue ante todo un concierto más que satisfactorio, muy recomendable y generoso. La Plaça de Bous d’Ondara, la noche de verano, la Universal Symphony Orchestra, los solistas especializados, el público entregado y la presencia de Trevor Jones construyeron una velada de las que hacen afición.

 

Y si los imperios históricos nacen, crecen y finalmente caen, la música que los evoca está destinada a permanecer, como lo hará SONAFILM.

 

Artículo por Coque Cano

Fotos por SONAFILM